Reseñas del Festival de Arte de Edimburgo: Nat Raha

Las historias coloniales se han convertido en un tema tan predominante en la práctica del arte contemporáneo que me pregunto cuánto tiempo más estas preocupaciones pueden seguir siendo “marginales”. Sin embargo, el Festival de Arte de Edimburgo continuó su plataforma de trabajo escénico de voces marginadas conNat Raha'sepistolar (en islas carcelarias) (***) el 18 de agosto.

Raha es descrita como una “poeta y académica activista”, y el punto de partida de su trabajo, que es una comisión conjunta con el Festival de Artes Visuales TULCA en Galway, son las islas prisión de todo el mundo, generalmente con una conexión colonial. Después de una letanía de estos nombres: “Bass Rock, Robben Island, Alcatraz, Spike Island, St Helena…” Raha pasa a leer un intrincado y largo poema, pronunciado como si fuera una serie de cartas.

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Leído con poca variación de tono, parece acumular temas: Covenanters desterrados de Escocia; el poder colonial blanco escrito en la arquitectura de Edimburgo; los planes para una “megaprisión” de £400 millones en Glasgow; y así sigue y sigue. Los efectos de sonido y los ecos ocasionales ayudan a hacerlo un poco más performativo, pero el vínculo con el arte visual parece, en el mejor de los casos, tangible.

Si bien aquí hay muchas cuestiones importantes –y la idea de escribir como un acto de supervivencia, desafío y resistencia tiene una historia larga y atractiva– el efecto es una especie de nivelación acumulativa: encarcelamiento, rebelión, derechos queer, derechos trans, brutalidad policial. , el Levantamiento de Pascua, todos ellos están reunidos en una sola diatriba que tiene toda la sutileza de un saco de boxeo. Uno sale exhausto, en lugar de lleno de energía o informado.

Christian Noelle Charles adopta un enfoque diferente sobre la idea de resistencia en su exposición individual, What A Feeling! Acto I (****) en Edinburgh Printmakers. Ha transformado el espacio de la galería en un salón de belleza, con lujosas sillas de cuero y una decoración de color rosa intenso. En lugar de espejos hay serigrafías de gran formato de “Gettin' ready” que presentan a cinco mujeres artistas e intérpretes negras: Mele Broomes, Saoirse Amira Anis, Alberta Whittle, Cass Ezeki y Sekai Machache, cuyas voces también escuchamos en la “radio” hablando en extenso. entrevistas sobre lo que significa ser una mujer de color que trabaja en las artes en Escocia.

La transformación del espacio es visualmente impresionante y la idea del salón de belleza tiene resonancia: un lugar seguro para que las mujeres se reúnan, pero también un lugar para preparar un rostro para encontrarse con el mundo. La serigrafía es un proceso de varias capas; Estas imágenes son reflejos, pero más que eso. Uno siente que nos miran, que los miran.

La dinámica no es del todo cómoda. Charles transmite la sensación de una comunidad fuerte que se apoya mutuamente, pero de la que muchos espectadores se sentirán excluidos. Si bien el audio nos permite saber a qué se enfrentan las mujeres de color, el trabajo también acoge la fuerza de su solidaridad. Si se están uniendo contra el mundo, me pregunto dónde nos deja esto al resto de nosotros.

Hay un sentimiento similar de solidaridad femenina enHay algo en el camino (***), en Basement Galleries en Summerhall, que sigue siendo una plataforma tan importante para el arte visual ecléctico durante el festival como lo es para las actuaciones. Este grupo de mujeres se ha unido en torno a la investigación de Edyta Majewska y Gail McLintock sobre Mujeres, arte y desigualdad, sobre las barreras que enfrentan las mujeres artistas, incluida la edad, la salud, la clase, la raza y las circunstancias. El noventa y uno por ciento de las creativas con las que hablaron “han visto su progreso en las artes afectado por las desigualdades”.

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Hasta ahora, se trata de crear conciencia. Pero, en respuesta, las mujeres hacen arte. Lubna Kerr, más conocida como artista, realiza una instalación sobre la catastrófica inundación que destruyó su casa. Eleanor Buffam, artista, escritora y música que vive con una enfermedad crónica, utiliza imágenes de cianotipo de ella misma, multiplicadas y reflejadas, para crear patrones de caleidoscopio. Majewska utiliza fotografías familiares en miniatura para crear una hermosa y compleja escultura de pared que se ve mejor con una lupa (que se proporciona).

Las barreras que enfrentan se convierten en alimento para el molino de la creatividad. Esto, y el sentido de solidaridad femenina, hace que uno se sienta positivo a pesar de los problemas que han destacado. El arte es lucha, sí, pero también es curación.

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En el War Memorial y en las galerías Sciennes, tres artistas dejan que su trabajo converse en torno a un estilo que llaman “minimalismo lírico” enImprovisado (****). Existe una sorprendente armonía entre el trabajo de Nicky Hodge, Paul Keir y Alan Shipway en su delicadeza y su carácter experimental y provisional. Esto no es minimalismo ideológico estricto: es un trabajo que ocurre entre la mano y el ojo; una sugerencia, una pregunta, una improvisación, no una afirmación.

Las obras se hacen eco entre sí en color y forma: los objetos de madera pintados de Keir expuestos en vitrinas abiertas, las pequeñas pinturas tonales suavemente saturadas de Hodge y las pinturas (ligeramente) más formales de Shipway. Las similitudes entre ellos también acentúan las diferencias, al igual que los gestos pasan a primer plano: la textura específica de una pincelada, por ejemplo.

Donde la exposición falla un poco es en las obras de mayor escala en la War Memorial Gallery. La provisionalidad, lo inacabado, que resulta intrigante a pequeña escala, funciona menos cuando se hace a gran escala, como si no pudiera justificar ocupar un espacio más grande con un gesto vacilante.

Mientras tantoQuiosco (*****) de Charlie Stiven, director del programa de pintura del Edinburgh College of Art, se siente simplemente único. Los quioscos modelo rigurosamente construidos de Stiven se adaptan perfectamente a las vitrinas de la Lab Gallery.

Están inspirados en los quioscos de toda Europa (arquitectura callejera sencilla utilizada para vender periódicos o café), pero no son copias exactas, sino más bien amalgamas e invenciones que hablan de circunstancias económicas y políticas cambiantes. Todos están tapiados y abandonados como si la infraestructura estuviera colapsando ante un futuro incierto. Una lista de obras al final explica los antecedentes de cada una, pero hubiera sido ideal tenerla en un folleto para leerla mientras se mira.

Cada quiosco tiene una historia diferente. Grab'n'Go trata sobre los males de la comida rápida. Happy Days es un restaurante de estilo art déco inspirado en un quiosco de refrescos cerca de Atenas, construido en la década de 1950, cuando las influencias estadounidenses llegaron a Grecia. Farmacia trata sobre la venta de partes del sistema sanitario español, quizás no del todo legalmente.

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Lo mejor de lo británico es un quiosco al final del muelle revestido con una bandera británica descascarada. El muelle que conduce a él está cortado, dejándolo abandonado en el aislamiento del Brexit. El texto que lo acompaña dice que se trata de la alta proporción de votantes del Brexit en las ciudades costeras británicas, pero se lee como un epitafio deprimido sobre la propia condición británica.

Particularmente evocadores son los tres quioscos oscuros de Lviv, con su diseño austro-húngaro-art-nouveau-funcional-soviético. Es la historia de Ucrania resumida en un quiosco, hasta el día de hoy: los escombros negros esparcidos por allí sugieren la presencia de una guerra.

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Los quioscos tienen una especie de pequeña brillantez, contienen grandes ideas de una manera comprensible, todo envuelto en un encanto geek de construcción de maquetas de ferrocarriles. Los detalles están impecables, hasta una pizza de papel todavía en su caja y un póster del Ken Dodd Happiness Show. Es una de las mejores cosas que he visto en este festival.

Síntesis: más allá de lo humano (***) es un espectáculo más difícil de entender. Comisariada por Scott Hunter y Sam Chapman, cuenta con cuatro artistas que han participado en un programa colaborativo: Danielle Macleod y Oana Stanciu de Escocia, Gak Yamada y Yuichiro Higashiji de Japón. Su trabajo parece fusionarse vagamente en torno a ideas de ritual y espiritualidad; cada práctica incluye fotografía.

Cada artista tiene una sala para su propio trabajo y luego, en una sala final, muestran trabajos juntos, incluidas algunas colaboraciones. Las “esculturas portátiles” de Macleod hechas con astas y alas de buitres son impresionantes, tanto en persona como en fotografías. Las actuaciones filmadas de Stanciu evocan rituales cotidianos, pero aún más impresionantes son sus fotografías, que parecen salidas directamente de un experimento surrealista en el París de principios del siglo XX.

Yamada hace fotocollages bastante hermosos con fragmentos rotos de quién sabe qué, vistos con una linterna en una habitación a oscuras. Higashi hace esculturas de montañas cortando volúmenes de papel encuadernados y fotografiándolos. Todos son interesantes, pero los diálogos parecen vacilantes e incómodos. Uno sospecha que el elemento colaborativo de este proyecto tiene que ver con el proceso y el aprendizaje, y es de mayor valor para los propios artistas que para la audiencia.

Christian Noelle Charles hasta el 17 de septiembre; Espectáculos en Summerhall hasta el 24 de septiembre